具体描述
内容简介
作者为近年崛起的有实力的青年
书画家、艺术评论家。这本新著是他
近年美术文章的一个选集，较为集中
地代表了作者关于美术的研究水平与
学术观点，内容涉及于中国画、油
画、版画、书法、篆刻、装置等艺术
门类，许多观点具有独到见解，文风
轻松而严谨、中肯而实在，体现出集
艺术创作与理论造诣于一身的青年艺
术家、学人的个性风采，具有一定的
可读性与学术价值。
作者简介
作 者 简 介
梅墨生，又名觉予。1960年生于
河北。1981年毕业于河北轻工学校美
术专业，1991年结业于中央美院国画
系。多年研习艺术文化，书画作品及学
术论文多次入选全国或国际性重大展
览、比赛、学术研讨会并获奖。近年其
艺术评论颇引人注目。现为中央美术
学院国画系教师，系中国书法家协会
会员、中华美学学会会员等。出版物及
著作有《梅墨生书法》、《梅墨生水墨画
集》、《现代书法家批评》（1993）、《中
国书法全集・何绍基卷》（1994）、《书
法图式研究》（1995）、《李可染》、《中
国人的悠闲》（1996）等。
目录信息
序
1 笔墨抽象与山水图式
2 文人画与新文人画
3 画家书法初论
4 论画之“气”
5 书写性之于中国画
6 中国画现代性转型说置疑――致王南溟的一封公开信
7 说“黑”
8 一个过渡――中国当下艺术的“后现代”
9 对“张力与表现”的追问
10 宋画三说
11 王铎与傅山――行草四题
12 八大山人山水窥奥
13 何绍基书法评传
14 晚清书家何绍基及其书法的若干问题
15 论虚谷
16 不朽的平民性――读齐白石
17 对自然的亲证――读黄宾虹
18 身谢道隆――再读黄宾虹
19 与一个宁静的灵魂晤对――读林风眠
20 真境逼而神境生――读傅抱石山水画
21 论齐门“二李”
22 一代宗师李可染
23 石壶绘画小识
24 望尽天涯路――读吴冠中
25 读张仃焦墨山水
26 现实与理想――靳尚谊绘画论评
27 绚兮，素兮――朱乃正的油画与水墨小品
28 看韩羽的画儿
29 卢沉水墨人物画浅议
30 雄浑劲健与淡宕空明――张立辰的写意花鸟画
31 传神写照 意象为先――姚有多水墨肖像画
32 广军的“自在”
33 我看杨刚
34 饱吸青藏高原之灵气――吴长江绘画
35 文人深致――读刘二刚画漫笔
36 画贵简淡――读《南田画跋》和霍春阳的画
37 悟云楼主人印艺琐谈――《王镛篆刻选》读后
38 走向理想――读杨飞云油画
39 理性・古典・永恒
40 忽逢幽人 如见道心――读田黎明水墨人物画
41 关注“状态”――陈文骥的绘画
42 在梦中谛听――曹力绘画
43 朝戈油画浅论
44 灵魂之约
45 求枕于山水之间――洪凌的油画山水世界
46 “走出敦煌”――谢成水绘画小探
47 罗汉・残荷・生命的透脱――李老十绘画语言解析
48 密云不雨――王彦萍绘画谈
49 关于“主义”以及与李孝�绘画的对话
50 陈平山水画――说“到位”
51 谭平铜版画：时序与偶然
52 刘小东绘画的“田园牧歌”
53 “抽象”随笔――兼论阎秉会的抽象画
54 有感于生命的“单纯”与“鲜活’――喻红绘画断想
55 素描对话（谭平梅墨生）
56 对“自然”的亲合――《滕菲画集》序
57 走向漂泊――江海沧和他的彩墨画
58 “沉重的翅膀”
59 女画家蔺婉莹与她的“人生百态”
60 女人对女人说――‘95女性――李虹 袁耀敏
油画展”观感
61 张敏杰的版画：想象的世界
62 岳黔山的画思――黔山之梦
后记
彩图目录
黑白图目录
图版
· · · · · · (收起)
读后感
用户评价
这本书的语言风格，在我看来，是极其鲜明且富有个人色彩的。它不像一些纯粹的学术论文那样，被严苛的格式和冰冷的术语所束缚，而是透露出一种文人的洒脱与批判的锋芒。作者在行文时，时常会穿插一些典故、诗词，或是极为精妙的比喻，使得原本可能枯燥的理论探讨变得生动起来，读起来有一种酣畅淋漓的快感。然而，这种自由奔放的笔调并非意味着松散，恰恰相反，在那些看似信手拈来的句子背后，隐藏着极为严谨的学术训练。这种将“学”与“文”完美结合的叙事方式，极大地降低了理解门槛，让那些原本只关注纯艺术实践的人也能一窥理论的堂奥。我特别欣赏作者那种不媚俗、不迎合主流的文风，他敢于直面当下艺术界的某些怪象，以一种近乎“文人相轻”的犀利笔触进行剖析，读来令人拍案叫绝，深感其文字的力度与温度。
这本书对我个人创作上的启发是潜移默化且持续不断的。我一直苦于在传统技法与现代审美之间找到一个平衡点，总觉得用力过猛或放得太开都会失去作品的根基。阅读这本书后，我开始重新审视“传承”的真正含义——它不是简单的复制，而是对古人精神内核的重新激活。作者对于笔墨精神的论述，不再停留在技法层面，而是上升到了对生命状态和时间意识的捕捉。这让我意识到，我的作品中缺失的，是对“当下性”的深刻体验和对“永恒感”的微妙平衡。很多次，在构思新作品时，我都会回想起书中某个关键的论断，它像一盏指路明灯，帮我厘清了创作的迷雾，让我敢于在保留传统底色的同时，注入更具个人情感和时代烙印的表达。可以说，这本书不仅是理论学习的资料，更是指导我艺术实践的“内参”。
读完这本书的某些篇章，我最大的感受是作者在理论建构上的那种雄心与锐气。他似乎总能从一个极为刁钻的角度切入看似已经被无数人剖析过的艺术现象，然后抽丝剥茧，提出令人耳目一新的观点。有些章节的逻辑推演如同精密的几何证明，层层递进，让人在跟随的过程中，会不自觉地进行思考和反驳，这正是一本优秀理论著作的魅力所在——它不是灌输，而是激发。特别是他对某个特定时期绘画风格转变的分析，打破了传统学院派那种静态的、描述性的叙述方式，转而着重探讨了“势”的流转与内在驱动力，这对于我理解艺术史的动态发展脉络，提供了全新的视角。我甚至会停下来，对照着书中的描述，重新审视我过去看过的那些画作，那些原本模糊的感受，突然间找到了可以言说的词汇和框架。这种深刻的理论穿透力，不是那种浮于表面的泛泛而谈，而是扎根于深厚学养之上的有力批判与重构。
与我之前阅读过的同类艺术评论集相比，这本书最突出的特点在于其深厚的文化底蕴和跨学科的视野。作者似乎不满足于仅仅停留在视觉艺术的范畴内进行讨论，他频繁地引入哲学、文学乃至社会学中的观点来佐证或构建自己的艺术理论框架。这种“大视野”的理论构建，使得他对艺术问题的探讨具有了极强的延展性和普适性。例如，当他谈论空间布局时，他会引用园林美学，甚至触及到中国古典园林中“移步换景”的空间哲学，将这种空间观巧妙地映射到二维绘画的构图逻辑中。这种博采众长的论述方法，让读者的思维也随之被拓宽，不再局限于单一的艺术门类。它教会我的，是如何将一个艺术议题置于更宏大的文化脉络中去审视，从而避免了将艺术理论推向狭隘化和教条化的危险境地。这种兼容并蓄的姿态，是这本书真正令人敬佩之处。
这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，那种沉稳又不失雅致的蓝色调，配上烫金的字体，透露出一种对艺术的敬畏感。初次捧读时，就被这种低调的奢华所吸引。内页的纸张质感也极佳，油墨印制清晰，无论是文字的排版还是插图的呈现，都体现出了出版方的用心。作为一名对艺术史和理论研究有兴趣的读者，我非常看重作品的视觉呈现，因为它直接影响了阅读的体验。这本书的版式设计考究，留白恰到好处，读起来丝毫没有拥挤感，让人能沉浸在文字构建的艺术世界中。尤其是一些关键论述的配图，选择得非常精准，不仅是简单的插画，更像是对文本内容的视觉注解，极大地帮助了理解那些抽象的理论概念。这本书的物理属性本身，就已经构成了一种对阅读对象的尊重，让人在翻阅时，便能感受到作者及其作品的厚重分量。这种对细节的打磨，使得这本书不仅仅是一本理论集，更像是一件值得收藏的艺术品，让人爱不释手。
