中国古代艺术思想史 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:上海人民出版社

作者:刘道广

出品人:

页数:261

译者:

出版时间:1998-04

价格:15.00元

装帧:平装

isbn号码:9787208027381

丛书系列:

图书标签:

• 關於藝術
• 艺术思想
• 思想史
• 中國藝術
• 中国古代艺术
• 艺术思想史
• 中国文化
• 哲学
• 美学
• 历史
• 艺术史
• 传统文化
• 中国哲学
• 思想史

《中国古代艺术思想史》 一、 导论：艺术之魂的追溯与文明之光的映照 中国古代艺术，并非仅仅是线条与色彩的堆砌，亦非雕琢与描绘的技艺比拼，其深邃之处在于孕育其精神内核的思想体系。本书《中国古代艺术思想史》旨在拨开历史的迷雾，层层剥茧，探寻那些塑造了中国古代艺术面貌，并赋予其独特生命力的哲学、美学、伦理与宗教思想。它是一次穿越时空的思想之旅，一次对中华民族精神血脉的深刻回溯，也是一次对艺术如何成为文明载体、如何承载民族记忆的深度审视。 本书的内容聚焦于中国古代艺术思想的发展脉络，梳理了从上古时期朴素的图腾崇拜、巫术观念，到春秋战国时期诸子百家关于“道”、“气”、“形”、“神”等核心概念对艺术创作的影响，再到秦汉时期大一统的文化思潮如何催生宏伟壮丽的艺术风格，以及魏晋南北朝时期玄学与佛教艺术的融合，宋代理学对艺术的理性审视与精神品格的追求，直至明清时期文人画的兴盛与世俗化审美取向的演变。我们不求包罗万象的艺术品鉴，而是力图揭示隐藏在艺术作品背后的思想逻辑，理解艺术家在创作过程中所遵循的价值取向，以及社会文化语境如何塑造了艺术的审美范式。 本书的阅读，不仅仅是了解中国古代艺术品本身，更是一次对中国古代社会文化、哲学观念、精神追求的系统性认知。它将带领读者去理解为何中国的山水画能够成为“可行、可望、可游、可居”的精神寄托，为何中国的书法能够被视为“心画”与“性情”的表达，为何中国的青铜器能够承载着天人合一的宇宙观，为何中国的诗歌与绘画能够达到“诗中有画，画中有诗”的境界。这些看似抽象的艺术品，背后都蕴含着深厚而鲜活的思想力量，而本书正是致力于挖掘和阐释这些思想的力量。 二、 上古的萌芽：图腾、巫术与早期观念的交织 在遥远的史前时代，艺术的起源与人类对世界的认知、对自然的敬畏息息相关。本书的第一个部分将深入探讨上古时期艺术思想的萌芽。这一时期的艺术，往往与氏族图腾、宗教仪式、巫术活动紧密相连。例如，新石器时代的彩陶纹饰，如人面鱼纹、舞蹈纹等，既是朴素的审美表现，也可能蕴含着氏族崇拜、祈求丰收、驱邪避灾等原始的信仰与观念。 本书将考察那些早期艺术品中所蕴含的“象形”、“象征”等观念。艺术家在描绘对象时，不仅仅是客观的复刻，更是在赋予其特殊的意义和力量。图腾的崇拜，意味着将某些动物、植物或自然现象视为氏族的守护神，并在艺术创作中加以模仿和表现，这是一种将自然界的力量人格化、神化化的早期思想。巫术活动中，艺术品常常被用作沟通天地、召唤神灵的媒介，咒语、符号、图像的结合，都体现了艺术在早期社会中承担的超越物质的功能。 本书将分析，在这一时期，“天人感应”的朴素观念已经隐约可见。人类尚未形成明确的哲学体系，但对于自然界的规律性和神秘性，以及自身在其中的位置，已经有了初步的体认。艺术的早期形态，正是这种对未知世界的探索、对生存环境的适应，以及对生命意义的追问的直接体现。本书将通过考古发现的艺术实物，结合当时的社会生活场景，尝试还原这一时期艺术思想的最初面貌。 三、 春秋战国：诸子百家与艺术精神的勃兴 春秋战国时期，是中国思想史上的黄金时代，诸子百家争鸣，深刻影响了后世的艺术思想。本书将重点考察这一时期儒家、道家、墨家、法家等主要学派对艺术的看法。 儒家思想，以“礼乐”为核心，将艺术（特别是音乐和舞蹈）视为教化人心、维护社会秩序的重要工具。“乐”不仅是悦耳动听的音乐，更是包含伦理道德规范的综合性艺术。“子曰：‘人而不仁，如礼何？人而不仁，如乐何？’”这句话充分体现了儒家对艺术的道德化、社会化的倾向。本书将深入分析儒家“中和之美”、“乐而不淫，哀而不伤”的美学原则，以及“文质彬彬，然后君子”的理想人格与艺术修养的关系。 道家思想，则以“道法自然”、“无为而治”为核心，为艺术提供了另一条重要的精神路径。“道”的虚静、无形、生生不息，成为艺术家追求的最高境界。本书将探讨道家“大象无形”、“大音希声”等观念如何影响了中国山水画的写意精神，以及“天人合一”、“返璞归真”的思想如何体现在中国古代艺术的审美追求中。庄子《逍遥游》中所描绘的超然物外、不受羁绊的精神，也为艺术家的自由创造提供了想象空间。 墨家虽以实用性为重，但也提出了“非命”、“节用”等观念，这在一定程度上影响了艺术的创作原则。法家则更注重法律与制度，对艺术的功利性可能有所强调，但其对秩序和规制的关注，也间接影响了早期雕塑、建筑等艺术形式的标准化。 本书将通过梳理诸子百家的经典论述，揭示他们对“形”、“神”、“气”、“韵”、“意”等艺术要素的早期探讨，这些概念的提出，为后世中国艺术理论奠定了重要的基础。 四、 秦汉：宏大叙事与精神气象的確立 秦汉时期，随着国家统一和帝国时代的到来，艺术思想也呈现出宏大、磅礴、充满力量的气象。本书将探讨这一时期艺术思想的核心特点： 一是“大一统”思想对艺术的影响。秦汉帝国的建立，强调中央集权和国家意志，艺术创作也呈现出为政治服务的倾向。例如，秦汉时期的陵墓艺术，如兵马俑、汉代画像石、画像砖等，规模宏大，内容丰富，既体现了统治者的权威，也反映了当时人们对生死、 afterlife 的想象，以及对历史事件的记录。 二是“天人合一”宇宙观的进一步体现。汉代天文学、哲学的发展，使得“天人合一”的观念更加深入人心。在艺术创作中，这种观念体现在对天地、自然、人生关系的哲学思考。例如，汉代的藻井、画像石中所描绘的日月星辰、神仙鬼怪，以及人间的场景，都试图将人置于宇宙的宏大叙事之中。 三是“气”的观念的强化。汉代哲学对“气”的重视，深刻影响了艺术理论。“气”是构成世界万物的基本要素，也成为衡量艺术品生命力和感染力的关键。“气韵生动”成为评价艺术品的重要标准，这为中国画的写意精神奠定了基础。 四是“史诗性”的追求。汉代是史书编纂的繁盛时期，这种对历史的关注也体现在艺术创作中。汉代画像砖石中大量描绘历史故事、神话传说、帝王将相的场景，展现了强烈的叙事性和历史感。 本书将通过分析秦汉时期的代表性艺术作品，如汉代的画像石、画像砖、铜器、漆器，以及建筑遗址，来解读其中蕴含的强大精神力量和独特的审美观念，理解这一时期艺术思想如何在宏大的政治与文化背景下得以确立和发展。 五、 魏晋南北朝：玄学、佛教与精神的超越 魏晋南北朝是中国历史上一个动荡而又思想活跃的时期，玄学与佛教的兴起，为艺术注入了深刻的精神内涵，也带来了全新的审美追求。 玄学的“名教”、“自然”之辨，对艺术的“形”、“神”关系产生了重要影响。士人阶层以魏晋风度为代表，追求飘逸洒脱、超凡脱俗的精神气质。本书将探讨“清谈”之风如何影响艺术家的创作心态，以及“魏晋风度”如何在书法、绘画、文学作品中得到体现。例如，书法中的“二王”风格，追求笔墨的灵动与神韵，正是玄学精神在艺术上的高度概括。 佛教自东汉传入中国后，在魏晋南北朝时期得到了蓬勃发展，并深刻影响了中国的艺术形态。本书将详细考察佛教教义如何转化为艺术形象，如佛像的塑造、佛寺的建筑、壁画的绘制等。观音菩萨的慈悲、弥勒佛的庄严，以及西方极乐世界的描绘，都成为当时艺术家创作的重要题材。 佛教的“空”、“净”、“涅槃”等哲学观念，也为艺术带来了新的审美维度。艺术家在描绘佛像时，注重表现其超越世俗的庄严与宁静，追求一种精神上的净化与升华。本书还将分析佛教艺术的象征性与仪式性，以及其如何与中国本土文化相结合，形成具有中国特色的佛教艺术。 此外，这一时期，山水画开始独立发展，并在艺术思想上逐渐形成“以形写神”、“外师造化，中得心源”等重要的创作原则。葛洪、宗炳、王微等人的山水画论，为后世山水画的发展奠定了理论基础。 六、 隋唐：集大成与开放的时代精神 隋唐时期，中国古代艺术达到了一个辉煌的顶峰，其艺术思想也呈现出集大成、兼容并蓄、面向世界的特点。 隋唐时期，国家统一，经济繁荣，文化交流空前活跃。本书将探讨这一时期艺术思想的开放性与包容性。佛教在唐代的鼎盛，使得佛教艺术进一步发展，并与世俗艺术相互渗透。例如，唐代佛教造像，既有庄严的佛陀形象，也出现了更加世俗化、生活化的菩萨形象，如飞天、伎乐等，体现了“佛在心中”的观念。 唐代诗歌、绘画、音乐、舞蹈等各类艺术都取得了辉煌成就。本书将分析唐代绘画，如阎立本、吴道子、张萱、周昉等大师的作品，如何体现“人物为上”、“线条造型”等艺术理念。唐代的山水画虽然尚不成熟，但其对自然景物的描绘已开始注重写实与意境的结合。 唐代哲学思想，如唯识宗、华严宗等佛教宗派的发展，也为艺术提供了更深邃的哲学思考。颜真卿、柳公权等书法大家的出现，标志着书法艺术进入了一个新的阶段，其雄浑、端庄的风格，体现了盛唐的时代精神。 本书将着眼于唐代艺术所展现的“气象万千”、“雍容华贵”、“活力充沛”的特点，分析其背后所蕴含的自信、开放、多元的文化精神，理解这一时期艺术思想如何在继承前代的基础上，实现了历史性的发展与突破。 七、 宋代：理性审视与精神品格的回归 宋代是中国古代艺术思想发展的一个重要转折点，理学的兴起，对艺术的认识更加理性化、哲学化。本书将深入探讨宋代艺术思想的核心特征： 理学对艺术的影响。宋代理学家，如周敦颐、张载、朱熹等，将“理”视为宇宙的本源，对艺术的认识也更加强调“道”与“理”的统一。他们提倡艺术要“明道”、“致用”，强调艺术的道德教化功能和认识价值。本书将分析理学如何影响了宋代绘画的构图、笔墨，以及题材的选择。 “尚意”与“尚象”的论辩。宋代绘画理论中，关于“意”与“象”的讨论十分激烈。一些艺术家和理论家强调“意”的重要性，认为艺术的最高境界在于表达画家内心的情感与精神，即“得意忘形”。另一些则更注重对客观物象的逼真描摹，强调“形似”。本书将分析这两派观点的渊源与发展，以及它们如何共同塑造了宋代绘画的独特风格。 山水画的成熟与理论化。宋代是中国山水画发展的黄金时期，范宽、郭熙、李唐等大师辈出。本书将重点梳理宋代山水画理论，如郭熙的《林泉高致》，是如何系统地阐述山水画的创作方法、审美原则，以及画家对自然山水的体悟。山水画的“可行、可望、可游、可居”等审美范畴，也在此时期得以确立。 花鸟画的兴盛与象征意义的深化。宋代花鸟画也取得了巨大成就，沈周、赵佶等艺术家，不仅在技法上达到了新的高度，更在花鸟的描绘中赋予了丰富的象征意义，如松柏象征坚贞，梅兰竹菊象征高洁。 本书将通过分析宋代文人画的兴起，以及理学对艺术创作的渗透，来理解宋代艺术思想如何从追求宏大叙事转向对精神品格和内在理性的关注，理解宋代艺术如何成为文人士大夫精神寄托与情感表达的重要载体。 八、 元明清：文人画的转型与世俗化的审美 元明清时期，中国古代艺术思想在继承宋代的基础上，呈现出新的发展趋势，文人画的地位进一步巩固，但同时也出现了更加世俗化、个性化的审美取向。 元代文人画的进一步发展。元代蒙古统治，汉族文人阶层将艺术视为精神的避难所，元代文人画在继承宋代的基础上，更加强调笔墨的自由与个性化的表达。赵孟頫、吴镇、黄公望等大师，将书法、诗歌、绘画融为一体，追求“逸格”。 明代艺术的多元化。明代商业经济的发展，催生了市民阶层，对艺术的需求也日益多元化。文人画依然是主流，但同时，宫廷画、浙派、吴门画派等也各具特色。本书将分析明代“公安派”对文学艺术的“独抒性灵”的主张，以及其对艺术创作自由度的推崇。 清代艺术的继承与创新。清代在继承前代艺术成就的同时，也涌现出许多新的艺术思潮。扬州八怪等艺术家，以其不落俗套、个性鲜明的风格，挑战传统的审美观念。本书将探讨清代艺术中，宫廷画、文人画、民间艺术之间的相互影响与融合。 本书还将分析明清时期，家具、陶瓷、园林等实用艺术的发展，以及其所蕴含的审美趣味。这些实用艺术的兴盛，反映了世俗化审美取向的加强，以及大众审美意识的觉醒。 九、 结论：历史的回响与当代的启示 本书的最后部分将进行总结，梳理中国古代艺术思想史的发展脉络，提炼其核心精神与主要特征。我们将回顾历代艺术思想的演变，分析其与哲学、宗教、政治、社会等因素的相互关系。 本书并非仅仅是对历史的回顾，更旨在从中国古代艺术思想中汲取智慧，为当代的艺术创作与文化发展提供启示。我们反思古代艺术家如何将“天人合一”的哲学思考融入山水画，如何将“气韵生动”的精神追求注入笔墨，如何将“中和之美”的伦理观念融入艺术创作。 本书强调，中国古代艺术思想的核心在于其精神性，在于对生命意义的追问，对宇宙和谐的追求，以及对个体精神品格的塑造。这些宝贵的思想遗产，对于我们在当今全球化和物质化时代，保持文化自信，挖掘民族精神，创造具有中国特色的当代艺术，具有重要的借鉴意义。 通过对《中国古代艺术思想史》的系统梳理，我们希望能够帮助读者更深刻地理解中国古代艺术的价值，更能从中体悟中华民族独特的精神世界，并将其内化为我们理解世界、创造未来的重要思想资源。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

这本书的行文风格，给人一种沉稳、内敛、极具历史厚重感的气质，与它所探讨的主题气质高度契合。阅读过程中，我仿佛置身于一个安静的古典书房，与历代的大师们进行着跨越时空的对话。作者对史料的运用堪称典范，不仅罗列了重要的文献，更重要的是，他阐释了这些文献背后的文化语境和时代情绪。比如，关于“天人合一”思想在不同朝代对山水画空间处理影响的分析，不仅阐述了理论，更深入挖掘了中国人对宇宙观的理解如何塑造了他们的视觉经验。这本书的好处在于，它拒绝了简单化的标签，而是展示了思想的复杂性、矛盾性和演变性，让你明白古代的审美并非一成不变的教条，而是一个生生不息的探索过程。它不仅是知识的传递，更是一次深刻的精神洗礼，让我对中国传统文化中“道”与“艺”的关系有了更深一层的体悟。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验，与其说是在“读”一本学术专著，不如说是在“攀登”一座思想的高峰。它并非那种轻松愉快的通俗读物，而是需要读者投入大量心神去啃噬那些深邃且富有历史感的概念。我发现自己不得不时常停下来，查阅一些背景资料，才能完全跟上作者的节奏，理解某些特定时代背景下所产生的理论张力。例如，书中对某个时期儒释道三家思想对书法理论交织影响的梳理，其复杂程度令人叹服，作者没有简单地做加减法，而是描绘了一幅多方拉扯的复杂图景。这种对思想流变细微之处的捕捉，体现了作者极高的学术敏感度。读完后，我对中国古代艺术的理解不再停留在对作品形式的赞叹，而是深入到了其背后的精神内核——那些关于天地人合一、气韵生动等形而上学的思考。虽然过程略显艰涩，但收获是巨大的，它极大地拓展了我对“中国式审美”的认知边界。

评分☆☆☆☆☆

令人印象深刻的是，这本书在处理不同地域、不同门类的艺术思想时所展现出的广阔视野。它没有将目光仅仅局限于主流的文人画或雕塑，而是穿插了对建筑、园林乃至工艺美术中蕴含的设计哲学。这种跨领域的整合，使得“中国古代艺术思想”的概念得到了极大的丰富和拓展。作者在论述中，很巧妙地运用了对比和映照的手法，比如将南方的细腻感性与北方的雄浑大气在思想层面的差异进行比较，使得抽象的理论具象化了不少。书中的一些章节，对特定历史时期出现的“异端”或非主流艺术观点的讨论，也十分精彩，展现了思想史的活力和复杂性，没有一味地歌颂主流。整体而言，它提供了一个全面、多维度的视角，帮助读者重建起一个立体而丰满的古代艺术精神世界，而非扁平化的理论陈述。

评分☆☆☆☆☆

说句实在话，这本书的阅读体验是带有挑战性的，尤其是在对那些高度凝练的古代术语进行现代阐释时。作者在构建理论框架上非常下功夫，清晰地界定了诸如“神韵”、“气”这类核心概念在不同阶段的语义漂移和发展，这种严谨性让人肃然起敬。然而，这也意味着读者需要有相当的耐心去消化这些层层递进的学术推演。我个人认为，此书最大的价值在于，它成功地将散落在历代文论、笔记、甚至是诗歌中的碎片化的审美判断，系统地整合为了一个有机的思想谱系。它不像一般的艺术史那样侧重于“谁在何时创作了什么”，而是聚焦于“古人如何思考艺术的价值与功能”。对于那些希望深入探究中国古典精神世界如何物化为艺术形式的读者来说，这本书无疑是一把开启大门的钥匙，尽管这扇门需要花力气才能推开。

评分☆☆☆☆☆

这部厚重的著作，着实让我领略到中国古代哲人对“美”与“道”的深刻探究历程。从先秦的朴素思辨，到魏晋玄学的空灵飘逸，再到唐宋美学概念的系统构建，作者以极其细腻的笔触，勾勒出一条清晰的思想脉络。特别是对特定历史时期艺术观念的归纳，颇为精到。例如，书中对宋代文人“格物致知”如何在绘画理论中体现，以及“意境”概念如何从诗歌渗透到山水画中的论述，展现了扎实的文献功底和深刻的洞察力。我尤其欣赏作者在分析哲学思潮与艺术实践之间关系时的那种辩证态度，并未将两者割裂，而是展示了思想如何潜移默化地塑造了审美取向和创作范式。书中对诸多古代艺术家的美学思想的引用和解读，也为我们理解那些流传千古的作品增添了全新的维度，让人在阅读时仿佛能听到古人对艺术本质的低语。全书的论证逻辑严密，引据详实，是梳理中国传统艺术思想史的一部重要参考。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆