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目录信息
1.音乐的性质
2.音乐的起源
3.音乐的社会功能
4.音乐促进智力发展
5.音乐促使身心健康
二、基本乐理知识
1.音的产生和音的物理属性
2.乐音体系、音级、音组和音名、唱名
3.五度相生律、纯律、十二平均律
4.各种记谱法的简介
5.音的高低的记录
6.音的长短的表示
7.音的强弱的掌握
8.调和调号
9.常用的音乐记号
10.音乐速度的掌握
11.音乐力度的表达
三、歌曲基础知识
1.歌词与曲调的分析
2.歌曲的节奏处理
3.调式的种类
4.旋律的调式识别
5.歌曲转调的几种手法
6.旋律音程的表现力
7.常用的曲调发展手法
8.形成歌曲高潮的手法
9.和声音程的音响效果
10.和声音程的听辨
11.歌曲的曲式
12.歌曲的体裁
四、声复调知识
1.主调音乐与复调音乐
2.常用的和弦
3.和弦的功能
4.和声进行
5.编配歌曲伴奏的方法
6.对位法的基本要点
五、歌唱发声知识
1.发声器官的功能
2.歌唱发声的呼吸方法
3.气息控制与换气处理
4.六个单韵母的训练
5.声音位置与歌唱共鸣
6.语音与歌唱
7.韵辙的处理
8.四声的区分
9.童声的特点
10.童声训练的要点
11.不良发声的纠正
12.嗓音的保护
13.人声的分类
14.美声唱法、民族唱法和通俗唱法
15.声乐的演唱形式
六、合唱指挥知识
1.合唱队的组织
2.合唱的排练
3.指挥的姿势与动作
4.基本的击拍方法
5.几种基本的表现方法
6.合唱的指挥
7.歌曲的艺术处理
七、中西乐器知识
1.骨哨、编钟、古琴
2.民族乐器与民族乐队
3.西洋乐器与管弦乐队
4.民乐中的吹管乐器
5.民乐中的弹拨乐器
6.民乐中的拉弦乐器
7.民乐中的打击乐器
8.西乐中的木管乐器
9.西乐中的铜管乐器
10.西乐中的打击乐器
11.西乐中的弓弦乐器
12.西乐中的弹弦乐器
13.西乐中的键盘乐器
14.器乐的演奏形式
八、西洋音乐欣赏知识
1欣赏音乐的意义和方法
2.标题音乐与非标题音乐
3.练习曲
4.进行曲
5.常见的舞曲
6.序曲
7.组曲
8.幻想曲、狂想曲、随想曲
9.几种曲式结构
10.奏鸣曲与奏鸣套曲
11 协奏曲与华彩乐段
12.交响诗与交响曲
13.歌剧简史与歌剧音乐
九、西洋音乐史知识
1.西洋音乐史概述
2.巴赫与亨德尔
3.海顿、莫扎特、贝多芬
4.浪漫乐派代表人物
5.民族乐派代表人物
6.现代音乐简介
十、民族民间音乐欣赏知识
1.汉族民歌的体裁
2.曲艺中的说唱音乐
3.说唱音乐的结构与特点
4.戏曲发展史概述
5.戏曲音乐的特点
6.戏曲行当的划分
7.京剧简介
8.越剧简介
9.几种地方剧种简介
10.中国的歌剧音乐
11.中国的舞剧音乐
十一、中国音乐史知识
1.远古音乐
2.秦汉魏晋南北朝音乐
3.隋唐五代音乐
4.宋元音乐
5.明清音乐
6.中国近现代音乐史概述
· · · · · · (收起)
读后感
用户评价
这本书最让我感到惊喜和震撼的是它对当代音乐创作手法的介绍。很多音乐手册往往止步于浪漫主义的巅峰，对二十世纪以来的现代音乐语汇往往语焉不详，或者仅仅是罗列一些“主义”名称。但《音乐知识手册》却以一种非常开放和前沿的姿态，深入探讨了十二音体系、序列主义、极简主义，甚至包括电子音乐和声音景观理论的根源。作者没有用说教的语气来评判这些“新声音”，而是客观地展示了作曲家们如何挣脱传统调性的束缚，寻找新的组织声音的规律。对于我这种对后现代音乐抱有好奇心但又无从入手的读者来说，这部分内容简直是久旱逢甘霖。它提供了一张清晰的地图，帮助我们导航于那些看似混乱无序的音响世界之中，让我们理解那些看似随机的音符背后，可能蕴含着极其严格的数学或逻辑结构。这本书的视野之开阔，使得它超越了一般的“手册”范畴，更像是一部活态的、与时俱进的音乐思想史文献，确保读者在了解过去辉煌的同时，也能站在聆听未来的起点。
必须得承认，最初我对这本书的期望值并不高，通常这种标榜“知识全面”的手册，内容往往流于表面，什么都想讲，结果什么都没讲透。然而，《音乐知识手册》彻底粉碎了我的偏见。它的结构设计极其精巧，逻辑层层递进，但又允许读者自由跳跃。如果你对某一部分特别感兴趣，比如对二十世纪的无调性音乐感到好奇，你可以直接跳过去，你会发现即使没有完全掌握前面对位法的知识，作者也会在需要时用最简洁的方式进行回顾和补充，确保你不会迷失在晦涩的术语中。我特别喜欢其中关于“音乐形式的哲学基础”的探讨部分，它探讨了对称、对比、统一这些抽象概念如何在音乐结构中得到体现，这不仅是知识的传授，更是一种思维方式的训练。它教你如何“看”一首曲子，如何解构其内在的逻辑骨架。这本书的严谨性是毋庸置疑的，但其行文却充满了热情和温度，它让你感觉到，知识本身就是一种美，值得我们去探索和热爱。读完之后，我感觉自己不仅仅是学会了一些知识点，更重要的是，我学会了如何带着一套更清晰的“分析工具”去面对任何新的音乐作品。
这本《音乐知识手册》真是我最近遇到的宝藏！翻开它，就像打开了一个通往音乐世界的万花筒，每一页都充满了惊喜和新知。我以前对古典乐的认识仅限于耳熟能详的几首曲子，对曲式结构、和声进行这些术语更是云里雾里。但这本手册的讲解方式非常巧妙，它没有用那些枯燥的学术腔调来堆砌内容，而是用非常生动的比喻和清晰的图表，把复杂的理论概念变得平易近人。比如，它讲到奏鸣曲式的主题呈示、发展和再现时，我竟然能想象出一个乐队正在进行一场精彩的“辩论”，主题如何被抛出、如何被拆解重构，最后又回归统一。对于像我这样的半路出家爱好者来说，这种将抽象概念具体化的能力，简直是教科书级别的示范。更让我惊喜的是，书中对不同时期音乐风格的过渡分析，不是简单的时间轴罗列，而是深入探讨了当时的社会背景和技术革新如何推动了音乐语言的演变。读完前几章，我再去听贝多芬的交响乐，耳朵里捕捉到的细节瞬间丰富了十倍不止。这本书不仅仅是知识的传递，更像是一位耐心的音乐导师，引导着我用更专业的耳朵去聆听世界。
我是一个对音乐史颇有研究的业余爱好者，但一直苦于找不到一本能将“技术分析”和“文化语境”完美融合的书籍。《音乐知识手册》在这方面做得非常出色，可以说是将两者提到了一个新的高度。它没有将巴洛克、古典主义、浪漫主义简单地视为风格的更迭，而是将技术上的重大突破——比如对转调技巧的精妙运用、或者某个特定乐器音域的拓宽——与当时的哲学思潮和政治环境紧密联系起来。举个例子，书中分析莫扎特晚期作品中那种近乎宿命感的和声进行时，会立刻跳转到对启蒙运动后期社会思潮的探讨，这种跨界的联结，让音乐不再是孤立的艺术品，而是特定时代精神的结晶。阅读过程中，我不断地被引导去思考“为什么是这样？” 而不是仅仅接受“是什么”。书中对不同流派音乐家创作习惯的细微差别捕捉得极为精准，比如肖邦对踏板的独特运用如何创造出那种“朦胧的美感”，这一点，很多其他书籍都只是蜻蜓点水。这本书的深度和广度，足以让资深乐迷也大呼过瘾，因为它提供了新的解读框架。
说实话，拿到这本书的时候，我其实有点担心它会是那种只有专业音乐学院学生才看得懂的“天书”。毕竟，市面上很多音乐理论书籍都把自己写成了高冷的学术堡垒，晦涩难懂，让人望而却步。但《音乐知识手册》完全颠覆了我的预期。它的排版设计简直是艺术品级别的，留白恰到好处，字体选择既典雅又不失现代感。更重要的是，它在讲解基础乐理时，特别注重与听觉体验的结合。例如，它不是简单地罗列和弦的构成音，而是通过引导你去听“大三和弦的明亮感”和“小三和弦的内敛感”之间的微妙差异，让你用身体去感受和声的色彩变化。我尤其欣赏它在介绍配器法时，没有仅仅停留在乐器介绍，而是深入剖析了不同音区乐器在管弦乐队中扮演的“角色”——比如低音提琴如何搭建情绪的基石，而长笛在高声部如何完成灵动的点缀。这种叙事性的讲解，让我在阅读时仿佛置身于一个虚拟的录音棚中，亲眼见证一部交响乐是如何被精心雕琢出来的。对于想要提升音乐鉴赏水平，但又不想被厚重理论压垮的听众来说，这本书简直是量身定做，体验极佳。
