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出版者:中国水利水电出版社

作者:丰洪才

出品人:

页数:321

译者:

出版时间:2001-07

价格:28.00元

装帧:平装

isbn号码:9787508406794

丛书系列:

图书标签:

• Photoshop
• 图像处理
• Photoshop教程
• 图像编辑
• 图形设计
• 设计软件
• 实用教程
• 软件操作
• 图像修复
• 数码艺术

艺术创作的无限可能：数字绘画与插画设计实战指南 本书旨在为渴望在数字艺术领域深耕的创作者提供一套全面、深入且极具实操性的技术与理念指导。它超越了单一软件的表面操作，聚焦于将创意转化为引人注目的视觉作品的核心技能体系。 第一部分：基础功的铸就与思维的拓宽 本部分将带你回归数字创作的基石，强调扎实的艺术理论与技术基础对于长期发展的决定性作用。 1. 视觉语言的语法：色彩、构图与光影的科学 色彩心理学与调性构建： 深入探讨色彩在叙事中的潜能，学习如何运用三原色理论、色轮的精密操作以及高级色彩模型（如Lab、CMYK在特定输出环境下的应用）。不仅仅是“选择颜色”，更是“设计情绪”。我们将解析大师作品中的色彩运用规律，并教授如何建立个人化的色彩规范体系，用于系列作品的风格统一。 空间布局的艺术： 构图不再是简单的三分法或居中对齐。本章详细剖析动态平衡、引导线设计、负空间的应用，以及如何利用透视（单点、两点、多点乃至空气透视）来构建具有强烈纵深感的场景。讨论焦点控制、视线引导和视觉重量的平衡，确保画面叙事流畅且富有张力。 光影的雕塑性： 探讨光源的物理特性——硬光、漫射光、边缘光、体积光（God Rays）的模拟。我们将教授如何通过精确控制明暗对比（Value Contrast）来塑造物体的体积感、材质感和环境氛围。重点讲解环境光遮蔽（Ambient Occlusion）和全局光照（Global Illumination）在数字绘画中的高级模拟技巧，实现超乎寻常的真实感或风格化的光影表现。 2. 笔刷的哲学：工具的驾驭与个性化定制 笔刷引擎的深度解析： 抛开预设，深入理解数字画笔内部的工作原理，包括形状动态、纹理映射、色彩抖动、流量与不透明度控制等参数的交互作用。 材质的“触感”模拟： 教授如何利用纹理素材和复杂的笔刷设置，高效模拟油画的厚涂肌理、水彩的晕染效果、铅笔的干涩感，以及金属、皮革、织物的表面细节。 工作流优化与笔刷库构建： 指导读者建立一套高效、逻辑清晰的个人笔刷库，根据不同创作阶段（草稿、造型、铺色、细节深化）的需求快速切换工具，最大化创作效率。 第二部分：风格的探索与高效的工作流程 本部分将引导创作者探索自身的艺术声音，并掌握将庞大项目化整为零、高效完成的专业流程。 3. 从概念到线稿：叙事驱动的草图阶段 创意发想与情绪板（Moodboard）的建立： 学习如何将抽象的文字概念转化为具体的视觉元素。介绍有效的头脑风暴方法和信息收集整理技巧，确保初期方向的准确性。 造型基础与动态捕捉： 强调解剖学（人体、动物或机械结构）在数字艺术中的必要性。通过对姿态、重心和运动轨迹的精确把握，确保最终形象的稳定性和生命力。 “灰度先行”的优势： 提倡在着色前，先用纯黑白灰完成对光影和体积的最终确认。这能有效避免色彩干扰对形体塑造的干扰，是专业插画师常用的提效技巧。 4. 材质、细节与氛围的叠加艺术 分层策略与非破坏性编辑： 详尽讲解如何组织图层结构以适应复杂项目的需求，使用蒙版（Masking）和调整图层（Adjustment Layers）进行精细的局部修改，确保任何步骤的修改都能回溯。 纹理覆盖与细节的注入： 教授如何利用高分辨率的扫描纹理、自定义的图案叠加，以及细节笔刷，在不影响整体结构的前提下，为画面增加可信的物理细节，如磨损、锈迹、纤维等。 景深与大气效果的营造： 运用雾气、薄纱、镜头光晕（Lens Flare）和散景（Bokeh）等视觉元素，区分主体与背景，增强画面的沉浸感和空间层次。 第三部分：进阶专题与跨界应用 本部分聚焦于特定风格的深度挖掘，以及数字艺术与其他媒体的结合方式。 5. 风格化表现的深度挖掘 日系动漫与美式漫画的风格解析： 拆解日系动画中对线条的表现力、赛璐珞光感和扁平化色彩的应用；解析美式漫画中强烈的轮廓线、高对比度阴影和动态夸张的表现手法。 概念艺术（Concept Art）的叙事需求： 专门针对游戏和影视行业，讲解如何快速高效地绘制出既有艺术感又满足功能性需求的设定图（角色、场景、道具），重点关注“氛围设定”而非“最终渲染”。 几何抽象与低多边形（Low Poly）美学： 探讨如何通过简化视觉信息、聚焦几何形态来创造极具现代感和装饰性的插画作品。 6. 从屏幕到印刷：色彩管理与输出准备 色彩空间转换的奥秘： 深入讲解RGB到CMYK的色彩映射机制，以及为什么在数字创作中必须提前考虑最终的输出介质。 分辨率与 DPI 的实战处理： 根据插画用途（网络发布、杂志内页、大幅海报喷绘）确定最佳的输出尺寸和分辨率策略，避免成品出现模糊或色彩失真。 文件格式的选择与优化： 掌握PSD、TIFF、PNG、JPEG等格式的适用场景，以及如何压缩文件大小而不牺牲视觉质量，确保作品的专业交付。 本书不仅是工具手册，更是一部艺术家的思维导图。它致力于培养创作者的“眼睛”——一种能看透光影、理解结构、并能将复杂意图转化为清晰视觉语言的能力。完成本书的学习后，你将能够自信地驾驭复杂的数字创作挑战，并拥有构建自己独特艺术风格的扎实地基。

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这本《Photoshop 图像处理实用教程》真是让我大开眼界！我之前对PS的了解仅限于能做些简单的抠图和加点滤镜，说实话，很多复杂的操作看着网上的教程云里雾里，总觉得那些大神的操作是魔法，自己永远也学不会。然而，这本书的出现彻底改变了我的看法。它的叙述方式非常亲和，就像一位经验丰富的老师手把手地教你一样，完全没有那种高高在上的技术术语堆砌。特别是关于图层蒙版的讲解，以前我觉得这是最难啃的骨头，但书里通过生活化的比喻和大量的实例截图，将复杂的概念拆解得异常清晰。我记得有一章专门讲色彩管理和校色，我以前觉得这是专业影楼才会涉及的深奥领域，这本书却用非常易懂的方式解释了什么是色彩空间，以及如何根据自己的显示器进行初步的校准，让我第一次明白了为什么我处理出来的照片在不同设备上看效果会大相径庭。更让我惊喜的是，它并没有只停留在基础操作，而是深入探讨了工作流程的优化。比如，如何利用动作（Action）批量处理上百张照片，这对于我这种需要处理大量活动照片的人来说，简直是效率神器。看完这本书，我不再只是“会用”PS，而是开始“理解”PS的工作原理，那种从迷茫到豁然开朗的感觉，真是太棒了！

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这本书的排版和视觉呈现做得相当出色，这一点非常重要，因为Photoshop本身就是一个高度依赖视觉反馈的软件。我翻阅过一些厚重的技术手册，密密麻麻的文字和模糊的截图让人望而生畏，但《Photoshop 图像处理实用教程》的每一个步骤都配有高清、色彩准确的界面截图，关键操作区域甚至会用醒目的颜色或箭头特别标示出来。这使得我在实际操作过程中，可以一边看书一边跟着做，很少出现“找不到按钮在哪”的窘境。更让我觉得贴心的是，作者在每章的末尾都设置了“疑难解答与陷阱提醒”。比如，在讲解3D文字效果时，它特意提醒了不同渲染引擎的区别以及在低配电脑上可能遇到的性能瓶颈，并提供了相应的解决方案。这种预判读者可能遇到的困难并提前给出建议的做法，体现了作者极高的教学经验。可以说，这本书从物理层面到内容组织层面，都做到了极佳的用户体验，学习过程几乎没有产生任何阅读上的阻力。

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这本书给我最大的启发在于其对“创意实现”的包容性。很多教程倾向于把Photoshop塑造成一个固定的流程执行器，但这与设计本身充满灵活性的本质是相悖的。《Photoshop 图像处理实用教程》则巧妙地在教授规范操作的同时，鼓励读者进行实验和个性化定制。例如，在讲解“混合模式”的应用时，作者没有仅仅罗列“正片叠底”、“滤色”的传统用途，而是展示了如何通过将几种不常用的混合模式进行堆叠，创造出非常奇特的、带有迷幻色彩的纹理效果。这种鼓励“打破常规”的讲解方式，极大地激发了我的创造力。它让我意识到，Photoshop的强大之处不在于它内置了多少预设，而在于用户能够用这些基础组件搭建出无限的可能性。读完之后，我不再害怕尝试那些“看起来很复杂”的合成项目，因为我已经掌握了拆解和重构这些复杂效果背后的核心逻辑和工具组合的思维方式。这本书更像是一本思维指南，而非操作手册。

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说实话，我拿到这本书时心里是有点打鼓的，毕竟市面上的教程太多了，很多都只是简单罗列工具的功能，看完等于白看。但《Photoshop 图像处理实用教程》完全不是那回事。这本书的厉害之处在于它强烈的“实战导向”。它没有浪费篇幅去介绍那些不常用或已经被淘汰的功能，而是聚焦在当前设计和摄影领域最主流、最实用的技术栈上。举个例子，对于人物精修部分，它不仅仅教你怎么磨皮，而是细致区分了“细腻磨皮”和“保留质感磨皮”的不同应用场景，并且给出了每一步骤的关键参数范围作为参考，这比那种只告诉你“拉动滑块”的教程要靠谱得多。我尤其欣赏它对“非破坏性编辑”理念的贯彻。在讲解修复画笔和内容识别填充时，作者反复强调要结合智能对象和历史记录画笔，确保原始素材的完整性。这种严谨的职业素养的培养，让我感觉自己不仅仅是在学习软件操作，更是在学习一种专业的工作习惯。对于一个想从爱好提升到半专业水平的人来说，这种深度的指导价值无可替代。

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我对数字绘画和概念设计领域比较感兴趣，所以过去一直在寻找一本能把PS的绘画工具讲透的参考书。《Photoshop 图像处理实用教程》在这方面的着墨虽然不是全部，但其质量远超我的预期。它没有把重点放在“如何画出大师级作品”这种虚无缥缈的口号上，而是将重点放在了笔刷引擎的底层逻辑上。作者深入解析了动态控制、形状动态、纹理叠加等核心设置如何影响笔触的随机性和自然感。通过讲解如何自定义一组专为“水彩效果”或“铅笔素描”设计的笔刷集合，我终于理解了为什么我自制的笔刷总是显得呆板。此外，书里还提供了一套完整的“数字绘画工作流程”模板，从画布设置、色彩模式选择到后期光影调整的逻辑顺序，都给出了详细的建议。这对我建立自己的绘画体系结构非常有帮助，它不是简单地教我使用工具，而是教我如何驾驭这些工具去实现特定的艺术效果。

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