中国大百科全书 音乐、舞蹈 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中国大百科全书出版社

作者:

出品人:

页数:1040

译者:

出版时间:1992-04

价格:114.00

装帧:精装

isbn号码:9787500059608

丛书系列:中国大百科全书第一版

图书标签:

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好的，这是一本不包含《中国大百科全书 音乐、舞蹈》内容的图书简介，内容详实： --- 《漫游欧洲古典音乐史：从巴洛克到浪漫主义的辉煌》 图书简介 本书并非百科全书式的工具书，而是一部旨在引导读者深入探索欧洲古典音乐发展脉络的深度导览手册。它以时间为轴线，串联起西方音乐史上几个关键时期的美学思潮、代表人物及其不朽杰作，致力于描绘出一幅清晰、富有洞察力的音乐流变图景。全书力求在学术的严谨性与普及的趣味性之间找到完美的平衡，让初学者能够快速入门，同时为资深乐迷提供新的解读视角。 第一部分：巴洛克的辉煌与理性之光 (约 1600 – 1750) 本部分聚焦于音乐史上第一个具有明确风格特征的时期——巴洛克。我们首先会探讨巴洛克艺术的根源，解析其“装饰性”、“戏剧性”和对情感的强烈表达如何体现在音乐形式之中。 核心内容聚焦： 歌剧的诞生与确立： 详细剖析蒙泰威尔第（Monteverdi）在佛罗伦萨的早期探索，以及卡斯特拉里（Castrati）文化对早期歌剧发展的影响。重点分析了卡伐利耶里（Cavalieri）与美第奇家族赞助下，歌剧如何从宫廷娱乐演变为一种成熟的艺术形式。 赋格与对位法的巅峰： 将巴赫（J.S. Bach）的创作视为对位法技艺的集大成者。不只是罗列其作品，而是深入解析《平均律钢琴曲集》中平均律的革命性意义，以及《赋格的艺术》中不同复调技巧的精妙运用。对于圣咏改编（Chorale Preludes）和管风琴作品的结构分析将占据重要篇幅。 协奏曲的发展脉络： 重点研究维瓦尔第（Vivaldi）的《四季》如何通过拟像手法（Mimesis）将自然景象融入音乐结构。对比协奏曲（Concerto Grosso）与独奏协奏曲（Solo Concerto）的结构差异，探讨科雷利（Corelli）在确立小提琴演奏规范方面的贡献。 清唱剧与受难曲的宗教情怀： 探讨亨德尔（Handel）的《弥赛亚》如何超越宗教仪式，成为英国公共音乐会的支柱，分析其“合唱的宏伟”与宣叙调的叙事功能。 本书特色： 摒弃对巴洛克音乐“沉闷”或“过于复杂”的刻板印象，通过对清晰和声行进和韵律驱动力的解析，展现其内在的逻辑美与感官冲击力。 第二部分：古典主义的清晰与均衡 (约 1750 – 1820) 本部分阐述了音乐如何从巴洛克的繁复转向古典主义的简洁、清晰和结构美学。这一时期的音乐反映了启蒙运动对理性、秩序和普世价值的追求。 核心内容聚焦： 奏鸣曲式（Sonata Form）的建立与标准化： 详细拆解奏鸣曲式的呈示部、展开部和再现部，说明其如何成为古典主义音乐的“骨架”。分析海顿（Haydn）如何通过实验性地运用主题发展技巧，将奏鸣曲式从一种结构规范提升为一种戏剧性叙事工具。 交响曲的成熟： 深入剖析“交响乐之父”海顿在维也纳确立的四乐章结构（快-慢-小步舞/谐谑-快），以及他如何为莫扎特（Mozart）和贝多芬（Beethoven）奠定基础。 莫扎特的音乐人格： 考察莫扎特作品中无与伦比的旋律天赋与内心冲突的表达。重点分析其歌剧，尤其是《费加罗的婚礼》和《唐璜》中，如何通过音乐语言的细微变化，刻画人物的复杂心理，这是对传统歌剧模式的一次革命。 贝多芬的“英雄性”转型： 将贝多芬视为连接古典与浪漫的桥梁。研究他如何从早期对海顿、莫扎特的继承，逐步发展出“意志的音乐”。例如，剖析第三号交响曲《英雄》中，主题的“挣扎”与“胜利”是如何通过和声语言和配器技巧实现的，以及第九号交响曲中人声引入的里程碑意义。 本书特色： 强调古典主义时期“形式服务于内容”的美学原则，通过乐谱范例（文字描述而非乐谱图示）说明主题动机如何被分解、发展和再现，以构建宏大的音乐建筑。 第三部分：浪漫主义的激情与个体表达 (约 1820 – 1910) 浪漫主义是音乐史上最引人入胜的阶段之一，它标志着作曲家主体性意识的觉醒，对个人情感、自然、异域风情乃至超自然力量的迷恋。 核心内容聚焦： 舒伯特与艺术歌曲（Lied）的鼎盛： 探讨“德语艺术歌曲”如何成为一种高度浓缩的诗歌与音乐的结合体。分析舒伯特（Schubert）如何通过钢琴伴奏（如《冬之旅》中的河流意象）来描绘歌词的微妙情绪，使钢琴不再只是伴奏，而是叙事的重要组成部分。 钢琴独奏的“诗化”： 集中探讨肖邦（Chopin）和李斯特（Liszt）如何彻底改变钢琴的演奏技术和表现力。研究肖邦的夜曲（Nocturne）如何确立了内省的、私密的浪漫主义情调，以及李斯特如何通过“交响诗”的概念，将钢琴演奏推向炫技与文学叙事的结合点。 德奥歌剧的浪漫化进程： 重点分析瓦格纳（Wagner）的“主导动机”（Leitmotif）理论，以及他如何通过“未完成的旋律”和对传统调性的模糊处理，创造出宏大的“乐剧”（Gesamtkunstwerk，总体艺术作品）。同时，探讨勃拉姆斯（Brahms）如何在继承贝多芬古典结构的同时，注入深沉的德奥浪漫主义的内省精神。 民族乐派的崛起与本土色彩： 考察民族主义思潮在音乐中的体现。分析俄国五人组（如穆索尔斯基和林姆斯基-科萨科夫）如何从民间音乐和历史题材中汲取灵感，以及德沃夏克（Dvořák）如何将美国黑人灵歌元素融入其第九号交响曲《自新大陆》中，展现音乐对地域文化的反哺作用。 本书特色： 深入剖析“意象化”与“象征性”在浪漫主义音乐中的运用，解释为何这些音乐能引发听众强烈的、近乎本能的情感共鸣。全书通过细致的案例分析，而非泛泛而谈，展现了欧洲古典音乐在技术、情感和哲学层面上的演进轨迹。 --- 目标读者群： 音乐学爱好者、古典音乐演奏者、大学生通识教育选修者，以及所有渴望系统了解西方音乐经典时期的文化背景和技术特征的普通读者。 本书价值： 这本书是一张地图，而不是一部目录。它不提供所有音乐家的列表，而是提供理解音乐家及其作品时代背景的钥匙。通过这种有选择性的、深度的聚焦，读者将能够更深刻地欣赏从巴洛克严谨的对位法到浪漫主义奔放情感的艺术旅程。

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我必须承认，这套书在收录的广度上是毋庸置疑的，它几乎涵盖了所有能想到的音乐和舞蹈的门类，从宫廷祭祀到民间小调，从古典芭蕾到地域性的广场舞蹈，几乎没有遗漏。然而，这种“雨露均沾”的策略也带来了另一个问题——深度上的不平衡。对于那些历史悠久、文献资料丰富的领域，比如唐宋燕乐、明清传奇，记载得详实考据充分，阅读起来令人信服。但对于近现代才兴起，或者受西方影响较大的当代音乐和舞蹈领域，比如电子音乐在中国的早期发展，或者当代先锋舞团的实验性作品，书中的介绍就显得非常保守和简略，仿佛只是一个初步的建档，缺乏对其艺术价值和文化意义的深入剖析。这种新旧内容处理上的明显差异，让这本书的整体调性显得有些滞后，它更像是一部定格在某个时间点上的权威记录，对于当下正在发生、快速迭代的艺术现场，捕捉和评价的能力明显不足，读起来总有一种“权威的考古报告”而非“鲜活的艺术百科”的感觉。

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坦白地说，作为初学者，我尝试着从这本书里寻找一些启发性的、能激发我创作灵感的“火花”。我希望能找到一些关于旋律、节奏或肢体语汇创新的案例分析，看看那些伟大的作曲家和舞蹈家是如何打破陈规、建立新体系的。但这本书的风格是内敛和克制的，它详细记录了“谁在何时创作了什么”，但很少深入探讨“他们是如何做到的”这种创造性的过程。比如在介绍某位著名舞蹈家时，我期待能看到他当年排练某段标志性舞蹈时遇到的困难、他如何通过对传统元素的解构重组来形成自己独特风格的内部思考流程，这些“幕后”的、充满挣扎和突破的叙事往往是最能打动人和启发人的部分。然而，书中提供的多是官方的、定性的描述，例如“其舞蹈风格融合了古典意蕴与现代激情，对中国舞蹈界产生了深远影响”，这种总结性的语句读起来虽然正确，却让人感到索然无味，缺乏那种能让人热血沸腾的、关于艺术创作的“内幕披露”和“方法论启示”。

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说实话，这本书的编排逻辑非常符合百科全书的传统范式，即按时间线或地域分类进行条目式铺陈。但这对于一个对某个特定领域有兴趣，想进行深度挖掘的读者来说，路径规划不够人性化。比如，我特地去查了关于“昆曲的衰落与复兴”这个主题，我预期它会有一条清晰的叙事线索，从清中期的困境到民国时期的保护努力，再到新中国成立后的抢救性传承，中间穿插着重要艺术家和剧目的兴衰史。结果，相关信息被分散在“戏曲史”、“重要人物传记”、“剧目考证”等多个毫不相关的板块中，我不得不像侦探一样在不同卷册之间来回跳跃，自己去拼接一个完整的故事。这种碎片化的信息呈现方式，虽然保证了每个条目的独立性，但极大地破坏了阅读的流畅性。如果能增加一些跨主题的综述性导读，或者设计一些更具探索性的索引系统，比如“现代戏曲保护史链条”这样的主题索引，对非专业读者来说，体验会大大提升。

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当我翻开这套书时，最大的感受就是那种扑面而来的“全”与“深”，但这种全面性有时反而成了我的负担。我想了解一下敦煌壁画中的乐舞形象，期待能看到那些乐器的复原图，以及舞蹈动作的分解描述。然而，书里对敦煌乐舞的记载，更多的是对相关史料的文献梳理，对舞蹈动作的描述极其抽象和概括，比如“体态舒展，以经变飞天之姿为主要表现手法”，这对我这个没有舞蹈基础的人来说，想象空间几乎为零。我更希望看到的是基于现代舞蹈人类学视角的图像还原和动作解析，哪怕是示意图也好。再比如，在舞蹈部分，关于现代舞的发展脉络，它罗列了大量的流派和代表人物，但对于这些舞蹈“为什么会那样动”、“其情感表达的核心是什么”这类更偏向于审美和体验的讨论，着墨甚少。这本书似乎在极力避免主观评价，专注于客观的“是什么”和“谁做了”，导致整个阅读过程缺乏了一种情感上的共鸣和代入感，读起来就像是在核对一份冗长的清单，虽然信息量巨大，但读完后合上书本，脑海里留下的影像和感受却异常单薄。

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这套《中国大百科全书 音乐、舞蹈》真是让我又爱又恨，爱的是它那浩瀚的知识体系和严谨的编纂态度，恨的是，作为一个业余爱好者，我常常感觉自己像是迷失在了一片知识的海洋里，找不到明确的航向标。比如我最关心的那些关于中国古代宫廷雅乐的源流考证，书里引用了大量的甲骨文、金文的释读和乐律学的艰深理论，虽然我能理解这是学术的严谨性所在，但对于一个只想了解这些音乐在历史长河中具体是“听起来”什么样子的普通读者来说，简直是天书。它更像是一部供专业研究人员使用的工具书，而不是面向大众普及的读物。书中关于民族音乐的田野调查数据详实到令人发指，各种调式、音阶的数学模型分析占据了相当大的篇幅，我本想找找那些耳熟能详的民歌背后的故事或者演唱者的生平轶事，结果看到的却是关于“五声音阶在不同地域变异的统计学分析”。我期待的是一场生动的音乐之旅，却得到了一份厚重的乐理论文集。对于那些想从这本书里找到轻松阅读体验的人来说，请做好被大量专业术语和冷冰冰的学术论断“轰炸”的心理准备，它需要极高的耐心和一定的专业背景才能真正“读懂”其精髓，而不是仅仅“翻阅”一下。

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我们买不起格罗夫。

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