具体描述
内 容 简 介
平面构成作为一门学科引入我国已经有十几年了。
然而到目前为止,对于大部分普通美术爱好者来说仍然
还很神秘。本书将以简明易懂的文字,并配以大量图片,
使普通美术爱好者、设计爱好者,所有想了解平面构成
的读者以及有志报考艺术院校的学生能在较短的时间内
对平面构成进行基本了解,并能初步掌握平面构成的基
本原理和构成法则。
作者简介
王大虎,1960年4月生于北京。
毕业于北京师范学院(现首都师范大
学)美术系。获文学学士学位。现为
北京市工艺美术学校平面装饰艺术设
计专业讲师、中国民间工艺美术学会
会员、北京市美术家协会会员、北京
工艺美术学会会员。主要从事基础教
学和漆画创作,作品曾参加国内外展
览。
参加第一届全国漆画展;中国艺
术展赴前苏联展;全国工艺美术展;
第七届全国美展;全国漆画会员展;
中日漆艺交流展;中韩漆艺汉城展、
北京展及其它许多展览。并有作品获
奖并被收藏。
目录信息
第一章 概述
一、平面构成的定义
二、平面构成的历史
三、平面构成与平面设计的关系
四、平面构成与其它构成形式的关系
五、平面构成的原理
六、平面构成的数学任务
第二章 形
一、形的认识
二、形的构成元素
三、正形与负形
四、三原形
五、单形
六、单形的群化
七、基本形
八、形与形的相遇关系
第三章 平面构成中的点、线、面
一、点
二、线
三、面
四、点、线、面在构成中的综合运用
第四章 骨格
一、骨格的概念
二、骨格的功能
三、骨格的种类
第五章 重复
一、什么叫重复
二、重复的基本形
三、重复的骨格
四、重复骨格和重复基本形的关系
五、重复构成中应注意的问题
六、练习
第六章 近似
一、什么叫近似
二、近似的基本形
三、近似的骨格
四、近似基本形与骨格的关系
五、练习
第七章 渐变
一、什么叫渐变
二、渐变的基本形
三、渐变的骨格
四、渐变设计中骨格线与基本形的关系
五、渐变设计中应注意的问题
六、练习
第八章 发射
一、什么叫发射
二、发射的基本形
三、发射骨格
四、发射骨格与基本形的关系
五、设计中应注意的问题
六、练习
第九章 变异
一、什么叫变异
二、变异的基本形
三、变异的骨格
四、练习
第十章 密集
一、什么叫密集
二、用于密集的基本形
三、密集的骨格
四、应注意的问题
五、练习
第十一章 对比
一、什么叫对比
二、基本形的对比
三、对比的骨格
四、对比构成中画面的统一与
协调
五、练习
第十二章 肌理
一、什么叫肌理
二、视觉肌理
三、触觉肌理
四、练习
第十三章 空间
一、什么叫空间
二、在平面中形成空间感的
原理
三、矛盾空间
四、错视
五、练习
编后
· · · · · · (收起)
读后感
用户评价
我是一名狂热的排版爱好者,沉迷于文字的排列组合,但总觉得自己的作品在“呼吸感”上有所欠缺。因此,我毫不犹豫地购买了《版式设计的呼吸与留白艺术》。这本书彻底颠覆了我对“信息密度”的传统认知。它没有过多地去讲解字体选择或字体的修饰技巧,而是将焦点完全放在了“空间”——那个看不见却至关重要的元素上。作者对负空间(Negative Space)的运用进行了极其精妙的阐述,强调留白不是“没有内容”,而是“有意的停顿”。通过分析从古籍刻印到现代极简主义网站布局的范例,我学会了如何通过调整行距、字距以及页边距,来控制读者的视觉焦点和阅读节奏。最让我受益匪浅的是关于“网格系统”的章节,它展示了如何利用隐形的结构来支撑复杂版面的稳定性,让信息即便量大,也能保持清晰的层级感。这本书让我明白,好的排版设计,最终都是关于如何优雅地“留出空间”,让文字和设计元素自己说话。
我是在朋友的强烈推荐下翻开《色彩的情绪光谱》的,坦白说,最初我对它抱有一些怀疑,毕竟市面上关于色彩理论的书籍汗牛充栋,大多不过是复述CMYK和RGB的原理。然而,这本书的视角完全聚焦于色彩对人类心理和生理的影响,完全超越了技术层面。作者仿佛是一位细腻的心理学家,他深入探讨了冷暖色调如何影响空间感,以及饱和度和明度如何直接触发观者的情绪波动——比如为什么某些特定的蓝绿色组合会让人联想到清晨的宁静,而高纯度的红与黑的碰撞又会带来强烈的危机感。书中收录了大量的实验数据和跨文化的情感对照表,使得理论不再是空泛的推测,而是有据可循的科学发现。我发现自己对于平面设计中“配色方案”的理解提升到了一个全新的高度,不再是简单地选择好看的颜色搭配,而是有目的地利用色彩的“语言”去和观众进行深层次的沟通。这对于任何从事视觉传达工作的人来说,都是一本不可多得的“读心术”宝典。
《光影的雕塑艺术》这本书,对于我这个长期在三维软件中挣扎的设计师来说,简直是救星般的存在。我一直苦于自己作品的画面总是显得扁平且缺乏质感,无论模型做得多精细,总差那么“一口气”。这本书的重点完全放在了“光”这个元素上,它将光线视为最基础的构成要素,详细解析了自然光、点光源、面光源以及全局照明(GI)的特性。作者的文笔非常专业却又不失灵动,他没有把光线当成一个物理现象来解释,而是把它当作一种可以被控制的“情绪引导工具”。书中大量的实例展示了硬光与软光如何塑造物体的体积感和空间深度,以及如何利用环境光遮蔽(AO)来增加画面的真实感和重量感。阅读过程中,我频繁地拿起笔在草稿纸上模拟不同光源角度下的阴影走向,这种动手和思考的结合,让我对“明暗对比”这一构成要素有了前所未有的深刻理解。可以说,这本书直接帮我从二维的“描绘”跨越到了三维的“塑造”境界。
这本《纹理与肌理的触感模拟》对我这种痴迷于材质表现的插画师来说,简直是一份如获至宝的礼物。我们都知道,视觉的冲击力往往来自于对物体表面特性的模仿,但如何用二维的手段去表达三维的“触感”一直是难题。这本书的厉害之处在于,它完全抛弃了传统的透视和光影分析,转而专注于“表面信息”的提炼。作者细致入微地分析了不同材质的微观结构:例如木材的年轮走向、金属的反光特性(是漫反射还是镜面反射)、布料纤维的松散程度等等。书中通过大量的特写案例,展示了如何通过细微的笔触变化、噪点分布和细节点缀,来模拟出粗糙的砂砾感、光滑的玻璃质感或是柔软的绒毛感。它让我意识到,纹理的构成不仅仅是画上去的图案,更是光线与物体表面微观结构相互作用的结果。读完后,我再拿起画笔,眼神里多了一份探究的审慎,开始去“感受”我所描绘的物体,而不是仅仅“复制”它。
这本《几何美学概论》简直是为我打开了一扇全新的大门!我一直对艺术和设计抱有浓厚的兴趣,但总感觉自己在理解那些抽象的构成原理时有些力不从心。这本书的叙述方式非常独特,它没有直接堆砌那些枯燥的理论公式,而是通过大量的历史案例和现代艺术作品分析,将“秩序”与“失衡”、“节奏”与“张力”这些概念讲得入木三分。特别是关于黄金比例在建筑和绘画中应用的章节,作者似乎拥有化繁为简的魔力,那些曾经让我望而生畏的数学关系,在这里变得如此直观和充满诗意。我尤其欣赏它对不同文化背景下美学观的对比探讨,例如东方园林的“借景”手法与西方古典主义的“对称轴心”,展现了构成原理跨越时空的普适性与地域性。读完后,我再去看任何一件艺术品,都会不自觉地去分析它内部的视觉重量是如何分配的,线条是如何引导我的视线移动的。这不仅仅是一本理论书,更像是一本引导你“学会看世界”的指南,极大地提升了我对视觉语言的敏感度和鉴赏力。