电脑圆你美术家梦--Photoshop 5.0和CorelDRAW 8.0实例详解 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:电子工业出版社

作者:门槛创作室（编著）

出品人:

页数:389

译者:

出版时间:1999-03

价格:38.00

装帧:平装

isbn号码:9787505352223

丛书系列:

图书标签:

• Photoshop
• CorelDRAW
• 图像处理
• 平面设计
• 设计软件
• 软件教程
• 实例教程
• 电脑美术
• 图形设计
• 数码艺术

深入探索数字艺术的无限可能：超越基础的创作实践 本书简介 本书并非一本关于特定旧版本软件操作的指南，而是聚焦于当代数字艺术创作的核心理念、进阶技术以及创意思维的培养。我们旨在引导读者跨越软件版本和工具的限制，掌握那些真正决定作品质量和个人风格的底层原理与高级应用技巧。 一、数字绘画与图像处理的艺术哲学 本书将数字艺术的创作过程视为一种媒介与思想的深度对话。我们不会纠缠于Photoshop 5.0或CorelDRAW 8.0的界面布局，而是深入探讨光影的本质、色彩的心理学效应以及构图的动态平衡。 光影的真实构建： 探讨物理学中的光照模型（如次表面散射、焦散效果）如何在数字环境中被模拟与驾驭。重点分析如何通过高光、反光、阴影的细微变化，赋予二维图像三维的体积感和环境的真实感。 色彩理论的实战应用： 区别于基础的色轮知识，本书侧重于色彩在特定风格（如赛博朋克、古典油画、概念艺术）中的情感表达功能。内容涵盖先进的色彩分级（Color Grading）技术，如何利用 LUTs（查找表）和混合模式（Blend Modes）进行非破坏性的色彩校正与风格化处理。 透视与空间感的高级运用： 深入讲解多点透视、空气透视原理在复杂场景设计中的应用。我们将分析如何通过前景、中景、背景的细节处理和清晰度差异，有效引导观者的视线，构建出具有强烈纵深感的画面。 二、现代数字工作流程与效率革命 在这个快速迭代的创意时代，工具的选择是流动的，而高效的工作流程是制胜的关键。本书的核心部分将围绕非线性创作、资产管理和跨平台协作展开。 非破坏性编辑的实践： 强调图层管理、智能对象（Smart Objects）的深度应用，以及如何利用蒙版（Masks）和调整层（Adjustment Layers）实现对作品的无限修改可能。这包括建立模块化的工作文件结构，确保项目在未来数年内依然易于维护和迭代。 高级笔刷技术与自定义引擎： 探讨如何设计和构建一套适应个人创作习惯的笔刷库。这不仅包括调整笔刷的形状、动态和纹理，更深入到参数化的笔刷控制，以模拟传统介质（如水彩晕染、干笔触、油画刀痕）的复杂肌理。 3D辅助与2D融合（2.5D工作流）： 讲解如何将Blender、Cinema 4D等三维软件的基础渲染图（AO、光照层、法线贴图）导入到绘图软件中，作为精确的透视骨架和光照参考，极大地提升复杂机械、建筑或角色设计草图的准确性。 三、概念设计与叙事驱动的图像创作 本书将创作的焦点从“如何画”转移到“要画什么”以及“如何讲故事”。 世界构建（World Building）的基础： 针对概念艺术家和插画师，本书提供了一套系统的世界观设计方法论。内容包括文化符号的提炼、环境生态的逻辑自洽性，以及如何通过视觉元素（建筑风格、服饰细节）来无声地叙述历史背景和族群关系。 角色动态与情绪捕捉： 重点分析人体解剖学在动态姿态中的简化与夸张技巧。我们将研究如何运用线条的粗细变化、骨骼的张力点，来传达角色的情绪状态（如恐惧、决心、疲惫），而非仅仅是描摹外形。 叙事插画的布局策略： 分析不同类型的叙事布局（如史诗级全景、特写镜头、三联画式时间线）。学习如何利用画框的边界来控制信息流，确保每一个元素都在为最终的故事目标服务。 四、面向未来的软件技能迁移 虽然我们不局限于特定旧版本软件，但本书的理论基础完全兼容并超越了早期版本的局限。掌握本书介绍的底层原理，意味着读者能够轻松地将知识迁移至当前最先进的工具，如最新版本的Photoshop、Procreate、Affinity Photo或Clip Studio Paint。 结语 本书的核心目标是培养创作者的独立思考能力和解决复杂视觉问题的能力。我们相信，真正的艺术生命力存在于对媒介的深刻理解和对创意的持续探索中，而非对特定软件界面的机械模仿。通过本书的系统学习，您将构建起一套坚实的数字艺术理论框架，为在任何主流创作平台上实现宏伟的视觉构想打下坚实的基础。

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从技术演进的角度来看，这本书更像是一份珍贵的“数字考古”资料。回想那个时代，软件的每一次更新迭代都伴随着巨大的变革。这本书详细记录了5.0和8.0时代的特定操作逻辑和默认设置，这些细节对于理解后来的软件版本是如何改进和优化的至关重要。比如，它对当时“路径描边”和“矢量填充”的一些特定限制和解决方法，现在的新版本可能已经用更智能的算法替代了，但了解当时的“笨办法”能让人更加珍惜如今的便捷。我甚至会时不时翻阅其中关于字体处理的章节，看看当时的设计师是如何在字体库资源有限的情况下，通过巧妙的描边和阴影效果来创造视觉冲击力的。这本书不仅是工具书，它承载着一个特定技术窗口期的设计思维，让我有机会站在一个历史的高度去审视数字图形设计的演变历程，这种沉淀下来的经验和教训，比单纯学习最新的软件功能更有助于构建稳固的设计观。

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这本书的篇幅虽然不算冗长，但其知识的密度和层次感却做得非常出色。它不像那种“工具手册”式的书籍，从头到尾都是平铺直叙的命令列表。它很巧妙地将Photoshop的像素编辑能力和CorelDRAW的矢量优势进行了对比和融合的教学。比如，在制作一个需要精细边缘抠图的Logo时，它会先引导读者在PS中完成高质量的选区和细节处理，然后无缝切换到CorelDRAW中进行最终的图形化和文字排版。这种跨软件的协作流程，在当时很多教材中是分散讲解的，使得读者难以形成整体概念。这本书的结构设计，让我第一次体会到两个软件如何像“左膀右臂”一样协同工作，极大地提高了我的工作流效率。这种系统性的知识整合，是这本书最宝贵的财富之一，它培养的不是“某个软件的操作员”，而是具备完整设计流程的“数字美工”。

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这本书的封面设计着实吸引人，色彩搭配得恰到好处，充满了那个时代特有的那种数字艺术的朝气与活力。我一眼就被封面上那些用当时的技术精心制作出的、略带像素感却又充满创意的图形所吸引，立刻联想到自己刚接触图形设计时的那种摸索和兴奋。内页的装帧质量也挺扎实，纸张的厚度让人感觉很舒服，不像现在很多轻飘飘的快餐书。光是看着目录，就能感觉到作者在内容编排上的用心良苦，那种对初学者的友好度简直是溢于言表。它不像现在那些动辄上百个功能的堆砌，而是专注于最核心、最实用的那部分技巧。记得当时我最大的困扰就是不知道如何将脑海中的想法有效地转化为屏幕上的图像，这本书似乎早就预料到了这一点，提供的案例都非常贴近实际工作需求，比如如何快速制作一个吸引眼球的广告横幅，或者如何调整一张老照片的色彩，这些都是我当时迫切想掌握的技能。那种带着温度的排版，仿佛作者就坐在你身边手把手地教你，每一个步骤都讲解得细致入微，完全没有那种高高在上的技术说教感，反而充满了鼓励人心的力量。

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说实话，这本书的语言风格简直是那个年代技术书籍里的一股清流。它完全没有现在技术文档那种冷冰冰的、追求绝对精确的术语堆砌，而是充满了生活化的比喻和非常接地气的口吻。读起来完全没有压力，更像是在跟一位经验丰富的老前辈聊天。我记得有一部分讲到“图层混合模式”时，作者竟然用“颜料在画布上叠加的效果”来做类比，一下子就让我这个对数学逻辑不敏感的人茅塞顿开。它没有简单地罗列菜单项，而是深入挖掘了每一个工具背后的“设计哲学”。比如，对于CorelDRAW中的贝塞尔曲线，它花了大量篇幅讲解如何控制锚点的“手柄”来塑造出流畅的线条，强调的不是“画得圆不圆”，而是“线条的生命力”。这种对设计本质的探讨，远超出了单纯的软件操作层面。读完后，我感觉自己不仅仅是学会了几个命令，更是对“视觉传达”有了一种更深层次的理解，明白了为什么有些设计看起来舒服，而有些则显得僵硬。这种注重内功的讲解方式，在今天的速成指南中是很难找到的了。

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这本书的实例选择，精准地击中了那个时期中小企业和个体设计师的痛点。它不教你制作那些只有好莱坞大片才需要用到、耗费大量资源的复杂特效，而是专注于如何用最少的步骤，在有限的电脑性能下，爆发出最大的商业价值。我印象特别深刻的是关于名片和传单设计的章节，那简直就是我的救命稻草。当时很多印刷厂的规范和要求很不统一，作者非常贴心地加入了关于“出血位”、“CMYK色彩模式转换”以及“分辨率陷阱”的实战讲解，这些细节内容，很多同期的教材为了追求“酷炫效果”而忽略了。这些实操经验的积累，直接帮我避开了无数次因文件设置错误导致的印刷事故。而且，书中很多案例图，虽然从今天的眼光看色彩略显浓烈，但它们完美地体现了当时广告行业的主流审美和市场偏好，具有极高的历史参考价值。它教会我，设计是为商业服务的，效率和准确性同等重要。

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