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出版者:华夏出版社

作者:怀素

出品人:

页数:26

译者:

出版时间:1999-01

价格:8.60元

装帧:平装

isbn号码:9787508014968

丛书系列:

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《墨舞丹青：中国书法艺术的千年流变》 内容简介： 本书是一部全面而深入的中国书法艺术史论著，旨在梳理和剖析自殷商甲骨文至近现代以来，中国书法在不同历史阶段的演变轨迹、风格特征、审美取向及其背后的文化意涵。全书不拘泥于单纯的碑帖罗列，而是致力于将书法艺术置于宏大的历史、社会、哲学和美学背景之中进行考察，力求呈现一幅立体、鲜活的“笔墨江山图”。 全书共分为六大部分，层层递进，相互映照： 第一部：笔墨之源——先秦至魏晋的奠基时代 本部分着重探讨中国文字的起源及其在书写实践中逐渐脱离实用功能，走向艺术化的初始阶段。从甲骨文的卜辞刻画，到金文的庄重典雅，再到篆书（大篆、小篆）的规范统一，展现了文字形态的早期审美探索。重点分析了秦汉时期隶书的“一变”，即“隶变”对后世楷书、行书的基础性影响，并通过汉碑的雄强与魏晋简牍的朴拙对比，揭示了那个时代书家对“自然”与“法度”的初步理解。 引人入胜的是对魏晋风度的探讨。王羲之、王献之父子的出现，标志着书法真正成为独立的人文艺术。本书不遗余力地分析了“书圣”王羲之如何集古法之大成，又如何以其超越前人的“自然天成”与“平和中正”的审美理想，确立了后世两千年难以撼动的标准。我们深入剖析了《兰亭集序》的结构精妙与情感流动，并对比了如卫夫人等早期行书大家对笔法和章法的贡献。 第二部：法度森严——隋唐楷书的鼎盛与规范 唐代是书法史上一个风格高度成熟、流派纷呈的时期。本部分聚焦于楷书（真书）在这一时期的极致发展。隋代在南北文化融合的背景下，对楷书进行了结构上的整合，形成了新的书写规范。 唐代初期，以欧阳询、虞世南、褚遂良、薛稷为代表的书家，各自形成了鲜明的“面目”。本书将详细对比“欧体”的险劲瘦硬、“虞体”的圆润内敛、“褚体”的秀逸潇洒，以及“薛体”的清峻骨立，阐释了盛唐气象如何反哺书体的雄健与饱满。 盛唐时期，颜真卿和柳公权是绕不开的高峰。颜真卿的书法被誉为“颜筋”，其雄浑、博大、气势磅礴的风格，被视为盛唐气度的最佳物化体现，尤其是在处理字形结构时，对“内擫”与“外拓”的把握达到了炉火纯青的地步。柳公权则以其“柳骨”的骨力洞达、法度森严，为后世树立了楷书的另一座丰碑。本书将通过大量实例，解析唐代楷书如何实现实用性与艺术性的完美统一。 第三部：意态流转——行草的自由与抒情 与楷书的规范相对，本部分着重考察行书和草书如何成为文人抒发性情的主要载体。 行书的成熟在晋代已现端倪，至唐代，张旭的“颠张”和怀素的“狂素”将草书推向了前所未有的高度。本书将深入解读“颠张醉素”的创作哲学——他们如何以酒入墨，以情驭笔，打破字形的桎梏，使线条成为纯粹的音乐和舞蹈。分析他们如何从章草的章法中解放出来，发展出今草的连绵与气势。 同时，本书也探讨了唐代如颜真卿的《祭侄文稿》中那种悲怆情感如何转化为笔下气韵的跌宕起伏，以及唐代诸多非主流书家的独特贡献，例如米芾对“尚意”的提倡，如何为宋代的审美转向埋下了伏笔。 第四部：尚意为先——宋代书法的个性解放 宋代，随着文人政治地位的提升和市民文化的兴起，书法审美开始从“尚法”转向“尚意”。书法不再仅仅是士人修身养性的工具，更是表达个体生命体验的媒介。 “宋四家”是本部分的核心。苏轼强调“我书意造无法”，其厚重、拙朴、率真的风格，是对唐代法度的有意识反拨。黄庭坚开创的“长枪大戟”式的笔法，追求一种“无意于佳乃佳”的自然之趣。米芾（米襄阳）则以其“刷字”的洒脱迅疾，达到了行书的另一种巅峰。蔡襄的沉稳内敛，则保持了文人书法的温润气质。 本书将分析宋代文人如何通过对前人的继承与扬弃，将书法的审美旨动画风转向了更注重“性灵”与“趣味”的层面，这一转向对后世影响深远。 第五部：回归晋韵与趣味——元明清的书法图景 元代，赵孟頫以其复古的姿态，重新推崇晋韵，提出“上追晋唐”的口号，将规矩与优雅重新带回书坛。其书风影响了近两代人的审美取向。而吴镇、管道升等人的墨迹，则体现了元代士人闲适隐逸的生活哲学。 明代书坛呈现出多元化的面貌。以“台阁体”的流行体现了官方对规范化的需求，但同时，明代中后期以祝允明、文徵明、唐寅、徐渭等为代表的“吴门书派”的崛起，则标志着书法的个性和趣味性达到了新的高度。尤其是徐渭的大写意笔法，将书法与水墨画的笔触融为一炉，体现了强烈的个人主义色彩。 清代是碑学复兴的时代。乾隆时期，碑学渐起，学者们开始重新审视魏碑的古拙力量。本书将详细阐述碑学（尤其对汉碑、魏碑的推崇）如何挑战了长期占据主流地位的“帖学”传统，以及邓石如、包世臣、康有为等人如何通过对碑刻文字的直接取法，为书法注入了新的阳刚之气，并为近现代书法的转型做了铺垫。 第六部：融汇贯通——近现代书法的探索与未来 最后一部分，我们将目光投向近现代。在西方文化冲击和书写工具变革的背景下，书法艺术面临着前所未有的挑战与机遇。清末民初，碑学力量进一步壮大，出现了如吴昌硕等集篆、隶、行、草大成的大家。 本书将分析近现代书家如何在坚守传统法度的同时，融入个体经验和时代精神，探索新的笔墨语言。从对篆隶的深入挖掘，到对笔墨边缘状态的实验，都体现了书法家在现代语境下对“何以为美”的再思考。 全书配有精选的拓本、墨迹高清图片和详尽的图注，旨在帮助读者不仅“看懂”书法的历史脉络，更能“体会”到每一根线条背后所蕴含的文化精神与时代心声。这部著作，是献给所有热爱中国传统文化，渴望洞察笔墨深层意蕴的读者的一份诚挚礼物。

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我对这本书的语言风格感到非常惊喜，它成功地在保持学术的严谨性与文学的感染力之间找到了一个绝佳的平衡点。叙述的文字流畅自然，如同山间清泉，即便涉及深奥的专业术语，作者也能用一种极其优美且富有节奏感的中文进行表达，避免了学术著作常见的枯燥和晦涩。尤其是一些描写历史场景或人物心境的段落，简直可以称得上是散文的典范，字句之间蕴含着一种深沉的情感张力，能够瞬间将读者带入到那个特定的时空背景之中。我甚至会不自觉地放慢语速来品味那些措辞精妙的长句，体会那种抑扬顿挫的美感。这种文笔上的功力，使得阅读体验从单纯的知识获取，升华成了一种精神上的享受，让人在学习知识的同时，也享受到了文字本身的艺术魅力。可以说，这是一本可以“听”着阅读的书，其韵律感是其他很多同类书籍所不具备的。

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这本书的装帧设计简直是艺术品。光是拿到手里，就能感受到那种沉甸甸的质感，纸张的选择非常考究，触感细腻，即便是翻阅多次，也不会有那种廉价的毛糙感。尤其是封面和封底的烫金工艺，在灯光下流转出低调而奢华的光泽，将传统书法的韵味与现代印刷技术完美地结合起来。内页的排版也体现了设计者的匠心独运，字体的选择既保持了古典美，又兼顾了现代读者的阅读舒适度，行距和字距拿捏得恰到好处，让人在长时间阅读时也不会感到视觉疲劳。装订方式也十分牢固，无论是平摊还是卷起，都能保持书页的平整，这对于一本需要反复研习的典籍来说，是极其重要的细节。我甚至观察到在每一页的边角处，似乎都有一些不易察觉的微小纹理，这或许是印刷过程中特意营造的“古旧感”，让这本新书仿佛拥有了穿越时空的厚重历史感。可以说，这本书在物理层面上，就已经超越了一般书籍的范畴，更像是一件可以被珍藏的书法艺术品，光是摆在书架上，就能为整个空间增添一份沉静的书卷气。

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这本书的索引和参考资料部分，做得尤为出色，充分体现了作者严谨的治学态度和对读者的体贴。通常，学术著作的尾注和附录往往是匆忙草就的，但这本书的每一条引用都清晰明确，来源可追溯，并且附带了简短的评价，指出该文献在论证中的具体作用，这对于希望进一步深入研究的读者来说，是无价的导航图。更值得称赞的是，附带的“主题词检索表”的设计极其人性化，它不仅仅是简单的字母排序，而是根据内容逻辑进行了归类，使得查找特定概念或人物变得高效便捷。我甚至发现作者在附录中加入了一篇关于“研究方法论的反思”，坦诚地讨论了自己在写作过程中遇到的困难和取舍，这种透明度极大地增强了读者对作者的信任感。通过这些细节，可以看出作者不仅关心知识的呈现，更关心读者的学习路径，这种对学术规范和读者体验的双重重视，使得这本书的参考价值被提升到了一个新的高度。

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这本书的作者在阐述理论时，展现出一种令人惊叹的洞察力和逻辑构建能力。他并非简单地罗列事实或引用他人的观点，而是像一位技艺精湛的织工，将错综复杂的概念编织成一张清晰、有层次的知识网络。尤其是在处理那些历史悠久、众说纷纭的议题时，作者没有采取武断的结论，而是非常耐心地铺陈了各种流派的观点及其产生的时代背景，这种平衡和客观的态度，极大地增强了论述的说服力。我特别欣赏他擅长使用类比和具体的案例来解释抽象的原理，比如他用一个生活化的场景来比喻某种复杂的结构关系，瞬间就让原本晦涩难懂的部分豁然开朗。这种教学相长的叙述方式，让读者感觉不是在被动接受灌输，而是在与一位博学的智者进行深入的对话和探讨。通篇阅读下来，我感觉自己的思维模式都被引导得更加严谨和深入了，不仅仅是知识的增加，更重要的是思维工具的升级。

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这本书的独到之处在于其对“跨界融合”的深度挖掘。它并没有将研究对象局限在一个狭窄的领域内固步自封，而是大胆地引入了诸多看似不相关的学科视角来进行交叉验证和阐释。例如，在分析某个传统技艺的演变时，作者竟然巧妙地引用了现代信息论的某些原理来解释其信息传递的效率，这种思维的跳跃性和广度，极大地拓宽了我对该主题的理解边界。我过去总认为这些领域是泾渭分明的，但通过这本书的梳理，我看到了它们背后隐藏的共通的结构和规律。这种打破学科壁垒的勇气和能力，是真正大师级的表现。读完之后，我发现自己看任何事物都开始尝试用多维度的框架去审视，这种思维模式的转变，其价值远超书本上直接传授的知识点本身，它提供了一种全新的、更具创造性的观察世界的方法论。

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